Lorsque nous observons l’évolution des formes d’art d’une décennie à l’autre, nous ne pouvons nous empêcher d’admirer les efforts que font les artistes pour créer une œuvre d’art qui résiste au temps. Le monde de la danse et de l’art de la performance a connu de vastes changements au cours du siècle dernier, depuis les pionniers de la danse expressive au début du 20ème siècle jusqu’à l’art de la performance libertaire des temps modernes. Comme les femmes continuent à franchir les frontières et à s’affranchir des normes et des attentes sociales, il est important de comprendre les raisons de leurs choix. Dans cet article de blog, nous faisons un voyage à travers le siècle, en commençant par la danse d’expression des années 1900 jusqu’à l’art de la performance des années 2000, et découvrons ce qui a poussé des femmes comme Isadora Duncan, Lotti Huber et Anita Berber à se présenter nues sur scène.
Au début des années 1900, il y avait un besoin de créer une alternative aux éléments rigides et formels du ballet traditionnel. Isadora Duncan, considérée comme la mère de la danse moderne, a créé une forme improvisée qui permettait aux danseurs de s’exprimer librement à travers leurs mouvements. Duncan trouvait que cette forme permettait aux danseurs de devenir eux-mêmes une forme d’art. Ses danses racontaient des histoires sur la nature, l’amour et la liberté, inspirées de la culture grecque classique. Elle a dit une fois : “J’ai passé de longues journées et nuits dans le studio à la recherche de la danse qui pourrait être l’expression parfaite de l’esprit humain à travers le mouvement du corps”.
L’un des pionniers de la danse expressive était Rudolf von Laban, un danseur hongrois qui croyait que le mouvement pouvait être utilisé pour explorer et exprimer les dimensions spirituelles et émotionnelles de l’existence humaine. Son travail consistait souvent en des mouvements sauvages et imprévisibles, destinés à susciter des instincts et des émotions primaires. Une autre personnalité remarquable était Mary Wigman, une danseuse allemande connue pour ses spectacles intenses et passionnés, dans lesquels elle abordait des thèmes comme le sexe et la mort. Son chef-d’œuvre, la “Danse des sorcières”, était une œuvre d’art controversée, dans laquelle Wigman dansait dans un état de frénésie, les cheveux en bataille et le corps tordu dans des positions grotesques.
Dans les années 1920, l’attention des danseurs s’est déplacée du mouvement lui-même vers le costume et son efficacité à susciter des émotions sensuelles dans le public. Lotti Huber, célèbre pour ses apparitions nues sur scène, était l’une des femmes à la tête de ce mouvement en Allemagne. Elle utilisait la nudité comme une forme de rébellion contre les attentes de la société concernant le corps des femmes. La réaction du public à ses performances était mitigée : alors que certains se réjouissaient de l’esprit libéré dont elle faisait preuve, d’autres étaient indignés.
Anita Berber, une autre artiste qui a défié les normes sociales des années 1920 en Allemagne, dansait à la fois selon son propre rythme et selon ses propres règles. Ses performances pouvaient souvent être interprétées comme un renversement des lois et de la morale, car elle montrait au public sa sexualité et ses sentiments érotiques. Ses mouvements corporels naturels et impudiques provoquaient des émeutes et plaçaient ses performances sous la surveillance intensive des autorités.
Dans les années 1960, l’art de la performance a pris le devant de la scène. L’accent était davantage mis sur la création d’une expérience commune entre les artistes et le public que sur le simple divertissement. La Cut Piece de Yoko Ono, où elle demandait au public de lui couper ses vêtements alors qu’elle restait immobile sur scène, en est un parfait exemple. C’était sa tentative de se débarrasser des couches d’identité, de statut et de matérialisme, à la recherche d’empathie et d’unité.
Aujourd’hui, la scène artistique de la performance a évolué de manière inattendue. Un exemple en est The Artist is Present de Marina Abramovic, où elle est restée assise en silence devant le public pendant trois mois, n’offrant rien d’autre que sa présence. Le public était l’art lui-même, et l’expérience laissait à chaque participant l’espace pour sa propre interprétation et ses propres conclusions.
Au cours de leur histoire, la danse expressive et l’art de la performance ont tous deux abordé des thèmes sensuels et érotiques. Dans certains cas, il s’agissait d’utiliser le corps comme moyen d’expression sexuelle, dans d’autres d’explorer les aspects plus subtils de la sensualité comme le toucher, l’intimité et la vulnérabilité. Le travail de nombreux artistes de performance comme Diana J. Torres a remis en question les tabous sociaux liés à la sexualité et au corps en utilisant la nudité, le BDSM et d’autres pratiques Kink pour s’éloigner des normes et des attentes traditionnelles.
Le développement de la danse et de l’art de la performance est un processus dynamique dans lequel les artistes défient les normes sociales et repoussent les limites. Depuis les pionniers de la danse d’expression au début du 20ème siècle jusqu’à l’art de la performance libertaire de l’époque moderne, l’objectif est resté le même : partager une expérience unique et commune avec le public et franchir des frontières artistiques jamais atteintes auparavant. Ce voyage est un témoignage remarquable de la créativité humaine et de la volonté des gens de prendre des risques et d’explorer de nouvelles voies d’expression. Il nous montre aussi que l’art a toujours été une plateforme pour les esprits libres qui défient les normes et inspirent les autres.
